…::: NUEVAS MUSICAS :::…

La denominación que los romanos dieron a la isla de la Gomera da título al cuarto trabajo discográfico del grupo grancanario Artenara; una obra dedicada por completo a esta isla y que rinde de forma especial un merecido homenaje y reconocimiento a ese peculiar método de comunicación que es el silbo gomero y que guarda curiosas semejanzas con otros lenguajes silbados que se han practicado en diferentes partes del mundo como Bolivia, Pirineo francés, Nepal, Nueva Guinea, oeste africano o México, etc.

JUNONIA MINOR es un proyecto audiovisual pionero que pretende fomentar internacionalmente todas aquellas nociones científicas básicas que permiten acceder a un conocimiento racional y preciso de esta modalidad ancestral de comunicación que todavía sobrevive en esta isla canaria.

Este nuevo proyecto de Artenara es más que un disco. En él descubriremos el Universo del silbo gomero: por un lado, a través de trece composiciones originales escritas por Enrique Mateu y Luis Lozano, en donde se entremezclan, como es habitual en la discografía de Artenara, las músicas, ritmos y coros extraídos de la más pura tradición canaria, con instrumentos y tendencias de última generación; y por otro lado, en todo un documento multimedia que es la web JUNONIA MINOR, que se abre con el paisaje de un valle de la isla y el texto “Más allá de las columnas de Hércules, los navegantes romanos creyeron encontrar el paraíso, el jardín de las Hespérides, en unas islas bañadas por el Atlántico. A una de las siete islas la llamaron… Jononia Minor.”

En esta web se incluyen interesantísimos documentos. El primero de ellos es la introducción, escrita por Don Esteban Bethencourt, Alcalde de Valle Gran Rey, bajo el título de “La Gomera, Reserva mundial de lenguajes silbados”; otro se refiere propiamente al silbo gomero (Introducción, Historia, etc.); y otro documento nos acerca a la Historia de la isla, incluyendo un apartado dedicado a la exposición de una gran colección cartográfica del archipiélago canario.

El material multimedia completa este arriesgado e innovador proyecto del grupo Artenara, donde se incluyen extractos de todos y cada uno de los temas que componen el disco, así como imágenes, vídeos, juegos, postales, etc

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Este es el décimo álbum de Cesaria Evora, en el que vuelve a aparecer como una mujer que se aferra a sus convicciones, una artista llena de fortaleza, coraje, interpretando sus canciones en idioma criollo portugués. Un disco lleno de frescura y con sabor a mar. Además de Chambao, Evora comparte una de sus canciones junto a otro insigne de la música africana, el senegalés Ismaël Lô.

Cesaria Evora tiene voz de morna y corazón de melancolía. Sus pies descalzos comenzaron a recorrer el mundo tras medio siglo de espera y sus canciones nos recuerdan a un género, mezcla de fado y blues, que desde el alma de Cesaria nos traslada hacia un mundo de nostalgia, esperanza y amor.

Nació en agosto de 1941 en la ciudad de Mindelo, en la isla de São Vicente, en el seno de una familia numerosa. Tras la temprana muerte de su padre y un período de reclusión en un convento, Cesaria comenzó a cantar, motivada por un ocasional amor adolescente que tocaba la guitarra.

Sin embargo, su relación con la música había comenzado más temprano. Su padre era primo de B. Leza, considerado como el compositor de mornas más importante de Cabo Verde. Tiempo después, Cesaria incluiría algunas de sus canciones en sus propios registros discográficos.

Ya conocida como la “diva de los pies descalzos”, Cesaria comenzó a actuar en el circuito de cafés y bares del puerto de Mindelo. En su repertorio estaban incluidos algunos de los más importantes compositores locales, como Paulino Vieira, quien al tiempo se transformó en su director artístico.

Después de obtener la independencia de Portugal, el archipiélago de Cabo Verde se resintió en su actividad comercial y generó una importante emigración de muchos músicos. Esto llevó a Cesaria a replantearse su carrera, tras lo cual la cantante optó por un período de descanso y dedicación a su familia.

Fue en 1985, tras la invitación de su compatriota Bana, cuando Cesaria retomó su carrera para grabar en Lisboa una antología de cantantes femeninas de Cabo Verde. Sin embargo, ningún productor mostró interés por esta “nueva” cantante.

Tres años más tarde Cesaria conoció al productor José Da Silva (quien después se convertiría en su manager). A partir de allí, su actividad discográfica y artística no ha parado desde entonces. Su ópera prima es”La diva aux pieds nus” publicado en 1988, al cual siguieron “Distino di Belita” (1990), “Mar Azul” (1991) y “Miss Perfumado” en 1992. Este último se convirtió en éxito de ventas (más de 200.000 copias) y recibió excelentes críticas (muchas coincidieron en comparar a Cesaria con Billie Holliday), lo que permitió a la cantante hacerse conocida a nivel internacional.

Durante la presentación de este disco, la cantante llenó dos noches seguidas el teatro L´Olympia de París, cuya grabación se transformó en un disco en vivo: “Cesaria a l´Olympia”.

El éxito de ese momento llevó a Cesaria a una gira mundial y a un disco recopilatorio: “Sodade. Les plus belles mornas de Cesaria” (1994). A éste le siguieron el disco “Cesaria” (1995) y la invitación de Goran Bregovic para grabar “Ausencia” en la banda de sonido de la película de Emir Kusturica “Underground”. También formó parte del proyecto solidario “Red Hot and Rio” grabando junto a Caetano Veloso (un confeso admirador de la caboverdiana).

En los últimos años, la carrera de Cesaria alterna entre giras mundiales, períodos de descanso en su isla natal y más grabaciones: “Cabo Verde” (1997), el recopilatorio “Best of…” (1998) (incluye una versión en español del clásico bolero “Bésame mucho” incluido en la banda de sonido de la película “Grandes Expectativas”), “Café Atlántico”, lanzado en 1999, “São Vicente de Longe” en 2001 y “Voz D’Amor” en 2003.

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El nuevo descubrimiento de la música caboverdiana sorprende por su carácter, por su voz vigorosa, triste a veces, de timbre profundo e inflexiones sensuales. Una voz que nos transporta a su tierra, tan prometedora como ella. Ella es LURA, una artista joven, de su tiempo, que sin embargo posee y lleva orgullosa por el mundo la sabiduría de su tierra, ese pequeño archipiélago africano, antigua colonia portuguesa, cuya dignidad canta y exhibe. Con razón su último trabajo, DI KORPU KU ALMA, la ha convertido en un ídolo de su gente: la de Cabo Verde y la de todo el mundo.

Lura es tan joven como el país de sus raíces. Cabo verde se independizó de Portugal en 1975, el año en que ella nació en Lisboa. La capital de Portugal es el hogar de la mayor parte de la diáspora de Cabp Verde, aunque también se encuntran grandes comunidades en Senegal, el noreste de los Estados Unidos, Holanda, Francia e Italia. Dso tercios de los caoverdianos viven fuera de su país; entre ellos sus artistas. En Lisboa, la población caboverdiana se concentra sobre todo en el barrio de Benfica, en un distrito de calles estrechas y casas de hormigón. Si embaído, el “centro” de la Lisboa portuguesa-africana es Rua Poço de Negros, una arterisa que discurre desde ekl Bairro Alto hasta el distrito Parliament, y que acoge muchos restaurantes, tiendas y nightclubs africanos.

El padre de Lura era de Santiago, la isla más grande, más verde y más africana de las que componen Cabo Verde. Su madre es de Sao Nicolau, la isla que produce el mejor grog (ron local). “Mi familia no pertenecía al ámbito de arte, pero mis padres escuchaban sobre todo morna”, dice Lura, recordando su juventud con alusiones a la saudade de terciopelo que, letárgicamnte interpretada por Cesaria Evora, ha hecho a Cabo Verde famoso en todo el mundo. “Ella ha abierto el camino. Y ahora podemos presentar otros estilos de Cabo Verde”, explica Lura. Su cuerpo, esculpido por la natación, el baile y el simple deseo de verse bella, interpreta los dos o tres géneros principales de Cabo Verde.

Lura era bailarina cuando Juka, estrella de la música africana en Lisboa, original de São Tomé y Príncipe, le pidió que participase en su nuevo álbum. “Yo tenía 17 años y se suponía que iba a hacer los coros, pero Juka me pidió que interpretara un dúo con él. Yo nunca había pensado en cantar, pero él insistió”, dice. Así que Lura descubrió el potencial de su voz, su timbre profundo y sus inflexiones sensuales. El disco de Juka fue un éxito, y otras celebridades africanas de habla portuguesa pidieron a Lura que colaborase con ellos, como Bonga de Angora y sus paisanos Tito Paris, Paulo Florès y Paulinho Vieira. Ella trabajaba con una compañía de teatro mientras grababa su primer disco con un productor portugués: un disco de baile para su generación, con estilo criollo caboverdiano de fondo. “Estaba pensado sorbe todo para discotecas”, explica. Pero a pesar de las recetas y los trucos comerciales del disco, al canción Nha Vida (Mi vida) atrajo mucho interés, y fue seleccionada para Red Hot + Lisbon, un disco recopilatorio de la campaña contra el Sida, que incluía también canciones de las estrellas braseileñas Caetano Veloso y Marisa Monte, además de Djavan, Bonga y Teresa Salgueiro, la cantante de Madredeus. Lura tenía entonces 21 años.

Tras descubrir a la joven promesa cuando hizo el dúo con Bonga –Mulemba Xangola- Lusafrica produjo su segundo disco en 2002. “El disco estaba dirigido a la comunidad joven”, dice la cantante. En otras palabras, era un cocktail de r’n’b y zouk, el último éxito entre la juventud de Cabo Verde. Pero los oídos experimentados se fijaron en dos canciones de valor especial: Ma’n ba dès bès kimida dâ
y Tabanka Assigo, dos temas escritos por el joven Tcheka que ofrecen la pausada esencia de la música de Cabo Verde, ritmos deliciosos cantados por una voz madura y voluptuosa.

En el año 2004 Lura graba por fin un disco verdaderamente caboverdiano: Di Korpu Ku Alma (Del cuerpo y del alma), cuya reputación se disparó en su país y entre la diáspora por el éxito de la canción Vazulina, una historia sobre el abuso de gomina por parte de las chicas aficanas, con el afán de alisar su pelo. El tema, una declaración de identidad de Cabo Verde, fue escrito por Orlando Pantera, un joven escritor que, antes de morir, revolucionó uno de los principales géneros tradicionales de ese país, estableciendo un estilo que inspiró a toda una generación de nuevos artistas.

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La maestría de Colm Murphy del arte de jugar bodhrán se atestigua y disfruta bien. De la mano de Colm Murphy, el bodhrán se convierte en un instrumento sutil, sofisticado, realzando y enriqueciendo la música de algunos de los músicos más grandes de Irlanda.

Bodhran

Es un tambor de la familia de los tambores de marco, los cuales carecen de caja de resonancia y están formados por un arco de madera en el que se tensa la membrana. Este instrumento tiene mucha importancia en una variedad muy grande de culturas como se puede apreciar en pinturas egipcias o mesopotámicas a parte de que este instrumento aparece con frecuencia en la Biblia al que se menciona con el nombre tof.

El bodhram tiene un diámetro de unos 60 cm y una profundidad de marco de unos 12 cm

Este instrumento es tocado por el músico con la mano derecha mientras que con la mano izquierda lo sujeta mediante unas varillas que atraviesan el bodhran en forma de cruz en la parte inferior

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