Las canciones de Eleftheria viajan por el mundo a traves del CD “Eleftheria Arvanitaki - The Very Best of 1989-1998″ que se edita como propuesta de la compania historica de musica jazz VERVE y con el sello de Emarcy. Eleftheria es la primera interprete griega que VERVE propone al publico internacional. Una compania que incluye en su catalogo internacional de grabaciones de artistas etnicos o jazz nombres como Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Mercedes Sosa, Night Ark.
Son cuatro los discos de Eleftheria que se abren camino en los mercados europeos. Se trata de los discos “Me quedo fuera”, “La noche baja”, “En directo desde las Rocas - Verano de ‘95″ y “Los Cuerpos y los Cuchillos”.
TRANSGLOBAL UNDERGROUND (TGU) es un grupo surgido en 1991 en Gran Bretaña, fundado por Kasiek y Hamid Mantu. Su sonido es una mezcla de rap, drum and bass y música tradicional de la India. Sus integrantes son casi todos inmigrantes o, como dice Kasiek, el tecladista: “Sheema es bengali,Gurjit es punjabi,Tuup es de
Guyana,Tim es de Gales y Hami es del espacio exterior”.
El grupo está integrado por:
Tim Whelan (también conocido como Alex Kasiek) teclados/secuenciador/vocales.
Hamilton Lee (aka: Hamid Mantu): batería.
Godfrey Duncan (aka ‘Tuup’ ): vocales/congas.
Sheema Mukherjee: Sitara.
Gurjit Sihra: Dhol y Dholak
La cantante original de TGU fue Natacha Atlas, de origen egipcio y belga, encumbrada hoy día en Europa y Medio Oriente como una estrella que canta en árabe.
Las influencias de TGU van desde el hip hop hasta African Headcharge, Shut up and Dance, Prince, George Clinton, Abdel Halim Hafez, Jimi Hendrix y Nikil Bannerjee. El grupo comenzó poco después de la emergencia del movimiento MANCHESTER, por lo que también tiene alguna influencia de grupos como HAPPY MONDAYS. Por otro lado, TGU ha estado vinculado con la escena rave pero, como suelen declarar sus miembros , nunca han tocado música house ni techno.
Sus instrumentos incluyen batería, percusiones, dhol (un tambor grande y sonoro que suele ser el instrumento principal de la música bhangra de la India), la sítara, las computadoras, los samples y las congas.
El grupo ha sido catalogado dentro del movimiento ASIAN VIBE, ya que en Inglaterra lo asiático está asociado a la India (a diferencia de Estados Unidos, donde el término es relacionado con China). En este movimiento han incluido a grupos como Asian Dub Foundation, Loop Guru, Talvin Singn y Fun-Da-Mental (probablemente el primer grupo del Reino Unido en hacer hip hop asiático ). Por su parte, Sheema Mukherjee, quien toca la sitara, participó en varias giras con el grupo Cornershop (firmado por el sello Luakabop, de David Byrne, ex cantante de Talking Heads).
Natacha Atlas (20 Marzo 1964)cantante nacida en Bélgica. Conocida por su fusión de música árabe y norte de Africa, o como ella misma la define “cha’ abi moderno”( una version reciente del pop egipcio). Tambien recoge muchas influencias de estilos como hip-hop, baterías-bajos, lounge y reggae.
Pronto, ella se vovlió vocalista y bellydancer (bailarina del vientre) de Transglobal Underground, donde fusionó trance, “world music”, y trip-hop.
Si su primer disco, “Bartzeloona”, dió a conocer a una joven orquesta mediterránea i los llevó a los escenarios de todo el Estado y, “Potiner”, su segundo álbum, los empujó a una distribución internacional i actuaciones en media Europa, ahora, con su tercer trabajo, “Plou Plom (musiqueta que enamora)”, CHEB BALOWSKI inician una época de grandes expectativas, salida simultanea a casi toda Europa i gira casi mundial (Marruecos, Algéria, Finlandia, Bélgica, Alemania, Holanda, Jordania…).
“Plou Plom” nos habla de los tiempos en que vivimos mientras que la otra mitad “(musiqueta que enamora)”, és el contrapeso para tantos mal rollos. Es sin duda un disco “100% Balowski”, continuidad de los anteriores i muestra de las mejoras de la banda. 13 Temas llenos de ritmo, dónde el rock toma aires mediterráneos y se mezcla, sin complejos, con los ritmos y melodías tradicionales.
Además del ja clásico Iñigo Muguruza (que produjo su primer disco y colaboró en el segundo) han participado en el disco David B. (quién también estuvo presente en “Potiner”), Minsa (de BKC i Desechos), y el dúo formado por Fermin Muguruza y Sorkun. De la producción de ha encargado Stephane Carteaux (productor de su segundo disco) i David B.
CHEB BALOWSKI siguen siendo Yacine (voz), Isabel (voz), Marc (bajo), Santi (guitarra), Jordi Marfà (violín), Dani (acordeón y teclados), Tito (trompeta), y Arnau (percusión), si bien en éste disco ha grabado con el grupo por primera vez el nuevo batería, Jordi Herreros, y como despedida el anterior saxofonista, Marcel Pie, quién ha dejado su puesto en la banda, a partir de la salida del disco, a Sisu.
Artista: Cheb Balowski
Año de publicación: 2003
Discográfica: Propaganda Pel Fet
Tipo: Álbum
Track list:
1 Neurostamos
2 A lo Putiné
3 City Durmiendo
4 El Dia
5 La Bonica
6 Rumba Califa
7 Lila
8 Mal Temps
9 Cuentos de Barras
10 Maresmer
11 Heptumbao
12 Vech Sar Vik “Que Passa amb Tu”
Achinoam Nini, más conocida como Noa, nació en Tel- Aviv (Israel) en 1969, aunque vivió en Nueva York desde los dos años, hasta que regresó a Israel a los 17. Noa estudió música en el Rimon School, donde conoció a su compañero y colaborador Gil Dor.
Los temas de Noa recogen influencias de cantautores de los años 60 como Paul Simon, Joni Mitchell o Leonard Cohen. Estas sensibilidades musicales y líricas, combinadas con las raíces yemeníes de NOA y los antecedentes musicales de Gil Dor en el jazz, en música clásica y en el mundo del rock, han hecho que el sonido de Noa y Gil sea único.
Desde que comenzaran a trabajar juntos en 1990 han ofrecido cientos de conciertos por todo el mundo con gran éxito de crítica. Entre los escenarios que han visitado se cuentan el Carnegie Hall y el Avery Fisher Hall en Nueva York, el Olympia en París, el Zellerbach Auditorium en San Francisco, el Festival Ravinia en Chicago, el Festival de Jazz de Montreaux y el Paleo Music en Suiza, WOMAD en España, el Festival de Jazz North Sea en Holanda y el Water Festival en Estocolomo.
Noa se ha mostrado como una defensora en todo momento del diálogo para la consecución de la paz entre israelíes y palestinos. Noa fue la primera artista israelí oficialmente invitada a actuar en Marruecos. También ha participado en numerosos recitales y festivales actuando con artistas palestinos. En 1990 fue galardonada con el “Crystal Award” por el “World Economic Forum” en Davos, Suiza, donde ha actuado en diversas ocasiones junto a artistas palestinos, y donde ha participado en numerosos encuentros relacionados con la paz en Oriente Medio y con el papel del arte y de los artistas en su favor. También fue invitada a cantar en Oslo con motivo del aniversario del acuerdo de paz firmado en aquella ciudad, en una actuación que contaba con la presencia entre el público de Bill Clinton, Ehud Barak, Yasser Arafat y el Rey de Noruega.
Noa y Gil han actuado en numerosas ocasiones con la Orquesta Filarmónica de Israel. En enero de 1998 ofrecieron un concierto para 20.000 personas en Phildelphias’ Corestates Arena con la Filarmónica de Israel y la Filarmónica de Philadelphia juntas bajo la dirección de Zubin Mehta. Ha realizado además giras junto a Sting, ha interpretado su tema “Child of man” con Stevie Wonder y ha compartido también escenario y micrófono con otros muchos grandes artistas.
El año 2001 fue testigo del nacimiento de su primer hijo, Ayehli. Ese mismo año completó junto a Gil Dor y Yohad Nevo su cuarto álbum, “Now”. También en 2003, en octubre, se publica el álbum recopilatorio “Noa Gold”.
Entre junio de 2003 y Mayo de 2004, Noa, Gil y Zohar Fresco (uno de los mejores percusionistas israelíes), compartieron los escenarios con el Solis String Quartet. Junto a esta formación, crearon un espectáculo en el que se fusionan instrumentos y estilos, sacando lo mejor de Noa para cautivar al público en todos los conciertos que ofrecieron. Debido al tremendo éxito obtenido, la gira ha continuado durante el 2005
Temas:
Disco 1
1. Uri
2. Minuano
3. For father
4. Mishaela
5. Wildflower
6. I don’t know
7. He
8. She
9. Now forget
10. Eye on the sky
11. Motor lullabies
12. Rise (Instrumental)
Disco 2
1. Wandering
2. Barren
3. Yuma
4. Eye opener
5. Child of man
6. Ray of light
7. Uno queriendo ser dos
8. Santa Lucia Lutana
9. Torna a surriento
10. Beautiful that way
11. Shalom shalom
12. Ave Mari
El Pogues es una venda del fondo irlandés e inglés mezclado, jugando a gente irlandesa tradicional con influencias del movimiento inglés del punky. Alcanzaron la prominencia internacional en los años 80 y los años 90 antes de adaptación para arriba 1996. La venda comenzó a realizarse junta otra vez en 2001, aunque tienen todavía registrar nueva música. Combinaron música irlandesa tradicional con la energía del punky contemporáneo, esencialmente inventando punky céltico. Eran también altamente influyentes en la escena céltica más grande de la fusión. Frontman Shane MacGowan describió su estilo como “jugando música irlandesa a una audiencia joven de la roca”. La prensa de la música dobló en ese entonces su estilo como “punky Céilidh” debido a la energía del frontman y al predominio del pogo que bailaba en sus gigs anteriores.
Shane Patrick Lysaght MacGowan es un compositor y poeta anglo-irlandés. Nacido el 25 de diciembre de 1957 en Kent (Reino Unido). Principalmente conocido por ser el primer cantante de The Pogues.
Hijo de los emigrantes irlandeses Maurice y Therese MacGowan procedentes del condado de Tipperary (Èire). Shane MacGowan creció escuchando tocar música tradicional irlandesa a sus familiares y vecinos de la aldea de Nenagh (Condado de Tipperary), donde vivió hasta lo seis años. Después sus padres lo llevaron a él y a su hermana pequeña a Londres donde creció.
Influenciado en su juventud por los Sex Pistols, a finales de los 70 forma un grupo llamado Los Nipple Erectors. Siendo King Of The Bop su tema más conocido.
En torno al año 1982 fundó junto a Jem Finer y “spider” Stacy la legendaria banda The Pogues, formación que abandonaría a principios de los 90 por problemas de salud. Fue sustituido por el ex-frontman de The Clash, Joe Strummer.
Fue fundada por el percusionista y vocalista de descendencia Armenia, Arto Tunçboyaciyan.
La música es un elemento fundamental de su vida, por la cual intenta comunicar sus grandes valores: “amor, respecto y verdad”
El grupo actuó con mucho éxito por primera vez en Europa en Febrero/Marzo de 2000 en Italia, Alemania, Austria y España y durante el segundo tour en Octubre/Noviembre de 2000 en Cerdeña, Francia, Bruselas y Holanda, después permaneció en Estambul para la grabación del nuevo álbum para ser lanzado en Enero de 2001 por el sello turco Imaj Müzic.
El grupo esta compuesto por doce jóvenes músicos armenios, de entre los mejores del momento que viven en Armenia.
Las composiciones son todas originales de Arto Tunçboyaciyan que - según sus palabras- ” tienen el sonido de mi vida “; esta música esta impregnada por sonoridades tomadas de la tradición de Armenia y de Anatolia fundida con los elementos que vienen de diversas experiencias musicales, tales como el jazz, entre otras. Las composiciones originales de Arto expresan el sonido de las generaciones pasadas junto con la vida de hoy: esto es lo que él llama ” avantgarde folk “. Podemos decir que la Armenian Navy Band representa la síntesis del viaje musical de Arto. Como conjunto con el virtuosismo particular también tiene un gran potencial en la ejecución de la música en vivo y de las composiciones tomadas de la tradición y de la actual cultura de Armenia.
El grupo está compuesto por:
ARTO TUNÇBOYACIYAN percusiones, voces, sazabo
ANAHIT ARTUSHYAN kanun
ARMEN AYVAZYAN kemanche
ARMEN HUSNOUNTS tenor & soprano saxofón
ASHOT HARUTIUNYAN trombón
DAVID NALCHAJYAN alto saxofón
TIGRAN SUCHYAN trompeta
NORAIR KARTASHYAN blul, duduk, zurna
VARTAN GRIGORYAN duduk, zurna
ARMAN JALALYAN tambores
VAHAGN HAYRAPETYAN piano & teclados
VARTAN ARAKELIAN bajo
Eliseo Parra nace en Sardón de Duero (Valladolid). Es un castellano de pura cepa, como el mejor vino, pero con raices y sarmientos de Cataluña y Andalucía. Una buena mezcla, para un gran caldo. Comenzó su andadura musical, precisamente, en Barcelona, en plenos míticos años 60, como batería y cantante de rock. En el 71 le vemos en el grupo Mi Generación, combinando el escenario de los garitos rockeros con el estudio de solfeo y armonía en el Consevatorio. Ya en el 76 se sumerge en el jazz de la “movida Zeleste” con Blay Tritono y la Rondalla de la costa. En el 79 graba con la gran cantante mediterránea María del Mar Bonet y, luego, se traslada a Valencia para colaborar con Al Tall. Cuando Cataluña abraza La Salsa, le vemos trabajar con las orquestas Sardineta, La Platería, La Sonora Catalana ó La Negra. Después de haber colaborado con cantantes como Ovidi Montllor, Gato Pérez, Marina Rosell y Sisa, en el 83 decide establecerse en Madrid, donde comienza a profundizar en las tradiciones de su Castilla natal. Monta el grupo Mosaico y graba un par de discos, uno de ellos dedicado al folklorista Agapito Marazuela. En 1990 se lanza en solitario y vuelca, en su música, todo lo aprendido como investigador del campo tradicional, editando 4 discos y algún libro sobre el tema. Desde aquí, te presentamos su último trabajo, realizado en El Agujero , junto a Javier Paxariño y Juan Arteche. Con el título genérico de Tribus Hispanas , este disco es un recorrido por los ritmos (realizados con percusiones autóctonas españolas), coplas y danzas de las diferentes “Tribus” (culturas) que pueblan la franja central de la península Ibérica (desde Extremadura a Ibiza). Piezas compuestas por Eliseo Parra, inspiradas en el acervo tribal de España, y que suenan absolutamente contemporáneas en sus tratamientos orquestales, resultando un viaje alucinante por una música poco conocida, incluso para los buscadores de sabores primigenios.
Estas palabras de Parra en su disco De ayer mañana resumen su orientación como músico e investigador:
Yo necesito saber de donde vengo para conocerme mejor, y lo que al principio fue una búsqueda de mi auténtica cultura se ha convertido en el reconocimiento de una música tan rotunda que ningún compositor puede superar. La música tradicional, que en primer lugar un individuo compuso —y no para ganar dinero—, la entrega al pueblo, éste la hace suya y se la va pasando a sus descendientes como una herencia hasta que llega a nosotros pulida como una joya a fuerza de seguirla cantando, sin campañas promocionales ni monopolios de mercado, de esta manera yo la retomo, la recreo lo mejor que sé y se la paso a los siguientes.
Bollywood es el nombre informal para las películas en lengua Hindi realizadas por numerosos estudios fílmicos en la ciudad India de Mumbai. Por ello esta palabra, acuñada en la década de 1970, viene de un juego de palabras entre Bombay (el antiguo nombre de Mumbai) y Hollywood, el centro de la industria fílmica de los Estados Unidos.
Aunque a algunos puristas no les agrade la utilización de esta palabra, por considerar que indica una parodia de Hollywood, ésta palabra se ha hecho mundialmente conocida y ya aparece formalmente en el Oxford English Dictionary.
Pero, cabe resaltar que el término correcto es Cine Indio, por ser la palabra “indio” gentilicio de la India.
El conjunto formado por Bollywood y filmaciones en otros lenguajes como Tamil, Telugu, Bengalí, Kannada, y Malayalam, constituyen el núcleo de la industria fílmica de la India. Bollywood es una pieza fundamental de la cultura popular de la India y el resto del subcontinente Indio así como partes de Oriente Medio, África y el sur de Asia. Actualmente hay un creciente interés en este tipo de películas en el mercado de Estados Unidos y en Latinoamérica.
La producción de Bollywood ha tomado fuerza a nivel mundial, y muchas de sus películas son aclamadas por los mejores críticos.
Marcas interesantes de las películas de Bollywood son sus escenas musicales. En cada película se incluyen cantos y danzas típicas del país, mezcladas con curiosas coreografías del pop occidental. En esas escenas hay siempre un doblaje. Esto es propio de la tradición de esta industria fílmica, en la que primero se graban las escenas y luego se doblan todos los diálogos (es una práctica que facilita, asimismo, la posterior traducción a otras lenguas), lo que en la India (país plurilingüístico, donde se hablan más de 16 lenguas distintas ampliamente extendidas) resulta esencial. Las pistas musicales de las películas de Bollywood son producidas muchas veces por conocidos artistas. Hay entre ellos algunos famosos asiáticos como Nusrat Fateh Ali Khan, u occidentales como Andrew Lloyd Weber. Es costumbre que la música de una película se lance al mercado meses antes de la difusión del filme. Es una forma de promocionar el filme, que es así esperado con interés por el público.
